Кросс-культура: Anime Boom. Эволюция анимации

0

По многочисленным просьбам читателей CROSS CULT и слушателей лекции «ANIME BOOM: эволюция анимации» мы опубликовываем часть материала, представленного в Экспериментальном центре Muzeon при МСИО.

Кинокритик и автор колонки CROSS CULT провела экспресс-экскурс по истории анимации, представила аудитории первые шедевры западной и восточной мультипликации, провела показ сборника аниме-OVA «Аниматрица», вдохновленного вселенной кинохита сестёр Вачовски.

Мы пошагово исследуем анимацию и узнаем, как первостепенные явления поп-культа Америки повлияли на то, что мы называем чисто японским, и как визионеры страны восходящего солнца в ответ покорили своими фантазиями весь мир.

ЖИЗНЬ

АНИМА

Слово «анима» в переводе с латинского — это душа, а значит суть всей анимации.

Спустя годы после театра теней и кукловодства, и задолго до аниматроники и компьютерной графики, мастера-механики создавали автоматоны — первых роботов, далеких предков современных компьютеров, умеющих не просто двигаться, а писать и играть на музыкальных инструментах. Античные инженеры искусно «оживляли» неодушевленные предметы, в попытках создать подобие искусственного интеллекта — идеи, веками тревожащей умы людей и довольно часто используемой в киберпанковых фильмах и аниме.

В древности главными заказчиками таких чудес, как автоматоны, были религиозные структуры. Египтяне ставили в храмах движущиеся статуи. В нужный момент их глаза вспыхивали огнем, руки и ноги начинали шевелиться — однако происходило это не по воле богов и жрецов, а слуг, которые прятались и незаметно приводили статуи в действие.

Для знатных клиентов создавали целые сады с механическими птицами и животными, а также слуг, музыкантов и даже ангелов, которых в те времена воспринимали как божий промысел. Знаменитые часы «Павлин» Джеймса Кокса с «живыми» птицами приобрела Екатерина II. Механизм сохранился в первоначальном виде, и посмотреть на него можно в Эрмитаже.

Автоматон в натуральную величину создали для Типу Султана. Он двигался и издавал звуки.

Этот автоматон радовал Марию-Антуанетту в Версале.

Механических помощников «Каракури» использовали ради забавы в японских домах. Самыми популярными были автоматоны для раздачи чая. Ну а этот просто стреляет из лука. Зато как!

Изображение 18 века японского театра автоматонов в Осаке, созданного семьей Такеда. Люди приходили в театр, где всеми актерами были роботы.

ДВИЖЕНИЕ

Стремление людей к постоянному движению превратило наскальную живопись в цифровое искусство, а примитивные механизмы — в высокие технологии.

АНИМИРОВАНИЕ

В переводе с латинского «аниматор» — дающий жизнь. То есть желание анимировать (оживлять, одушевлять, приводить в действие) предметы и картинки повлекло за собой появление мультфильмов.

Ещё до создания полноценного языка люди с помощью последовательных наскальных рисунков пытались передать движение и эмоции, а позже они сказали мифы, легенды и сказки, и спустя время оживляли их с помощью игры теней, марионеток, или тех же автоматонов. Докиношные умы воспринимали ряд таких изображений, как комикс, раскадровку или даже как сам мультфильм.

Изображение носорогов было сделано в пещере Шове более 30 000 лет назад.

Там же обнаружен рисунок тарпанов. Считается, что повторное изображение демонстрирует движение, которое «оживало» в дрожащем стробоскопическом свете костра.

Борцы в действии были изображены в египетской гробнице Хнумхотепа и Нианхнум. Это не только последовательное изображение, или анимация, но и история спорта.

Первые упоминания о создании в Японии историй в картинках (манги) относятся ещё к XII веку, когда буддийский монах Тоба Содзё нарисовал четыре юмористические истории о животных, известные как «Тёдзюгига».

«Витрувианский человек» Леонардо да Винчи показывает анатомические пропорции тела под разными углами. То есть в движении.

Страница «Манги Хокусая», где изображены приемы самообороны.

Здесь впервые было использовано слово «манга». Она была очень популярной, ее называли энциклопедией японского народа.

В основе многих фильмов и мультфильмов лежат сказки, а в сказках — мифология, поэтому мы начнем с нее и примеров с оживлением, где чаще всего упоминаются деревья, как символ жизни. Так, в скандинавской мифологии описываются первые люди Аск и Эмбла — это оживленные богами ясень и ива.

Одухотворенные растения, злые и добрые, перебрались из древних легенд в современные мультфильмы. Чего только стоят древнегреческие дриады, их можно увидеть в мультфильме студии Disney «Геркулес».

В русской народной сказке «Гуси-Лебеди» яблоня угощает детей плодами и прячет от преследователей, сцену с ней можно увидеть и в мультфильме киностудии «Союзмультфильм».

В «Маленьком принце» Антуана де Сент-Экзюпери фигурирует живая роза, отличающаяся красотой и капризным характером.

Снять заклятье в «Красавице и Чудовище» может лишь истинная любовь, которую принц должен успеть познать до того, как упадёт последний лепесток розы. Иначе жизнь Чудовища оборвется.

Алиса разговаривала с деревьями и цветами в Стране чудес, на это можно посмотреть в мультфильме 1951 года студии Disney.

В первом мультфильме Уолта Диснея «Белоснежка и семь гномов» 1937 года испуганной девушке видится, будто лес живой и зловещий, будто он тянет её ветками.

В оригинальной версии сказки о Золушке, ей помогает вовсе не фея-крёстная, а говорящее дерево. Компания Disney не использовала это в экранизации, зато создала Бабушку-Иву для «Покахонтас».

Самым живым деревом в мультипликации выступает Пиноккио.

А самым шокирующим — женоподобное растение в «Последнем Единороге» от студии Topcraft. К анимации этого мультфильма причастны японцы.

Позже Topcraft нанял начинающий режиссёр Хаяо Миядзаки для съёмок «Навсикаи из долины Ветров». Спустя пару лет они вместе организовали знаменитую японскую студию Ghibli.

Ожившие деревья есть в сказке «Удивительный волшебник из страны Оз» и в романе Джона Толкина «Властелин Колец».

А всем известный Тоторо — волшебный хранитель леса. Только посмотрите, на что он способен!

Источник: Кросс-культура: Крупная рыба. Мифологические пропорции

ТЕХНОЛОГИИ

Итак, желание оживлять и приводить в движение подтолкнуло людей к множеству открытий. Например, к появлению оптических игрушек.

Спектакли-фантасмагории поражали зрителей движущимися проекциями призраков и чудовищ. Подобные визуальные приемы применяли иллюзионисты во время шоу и спиритуалисты на сеансах.

Попытки создания оптической иллюзии привели к изобретению тауматропа и кинеографа. При быстром вращении бумажного кружка, рисунки с двух сторон, кажутся одним.

Сцена с изображением тауматропа в действии была в фильме «Сонная лощина». Как сказал герой Джонни Деппа, это не магия, а оптическая иллюзия.

Главным ярмарочным развлечением в то время служил пип-бокс, или коробка для подглядываний. Очарованные зрители смотрели через линзы на изображения, казавшиеся объемными. Бинокулярный оптический прибор стереоскоп, работающий по тому же принципу, продается как игрушка до сих пор.

Одними из главных оптических чудес можно назвать телескоп и микроскоп. Позже изобрели калейдоскоп, волшебный фонарь, зоотроп и стереоскоп, которые стали прототипами большинства будущих устройств.

Примитивная анимация существовала задолго до первых попыток снять фильм.

АНИМАЦИЯ

В 1886 году в мир кинематографа ворвался француз Жорж Мельес. Он показал зрителям первые кинотрюки, кинофантастику и раскрашивание кадров. Рисунок играет немаловажную роль в его работах. Дело в том, что Мельес был владельцем театра, где активно использовались нарисованные вручную декорации, позже режиссер начал применять их во время съемок своих фильмов.

Самыми ранними сохранившимися анимационными фильмами в истории считаются ролики о Пьеро, созданные французским изобретателем Эмилем Рейно из набора пластинок для зоотропа в 1892 году.

А старейшее аниме было создано приблизительно в 1907 году. Короткий мультфильм под названием «Кацудо Шяшин» состоял из пятидесяти нарисованных кадров. Художник и автор этой анимации неизвестен. И само аниме не было бы известно нам вообще, если бы его случайным образом не обнаружили в 2005 году.

В 1914 году американские кинодеятели Джеймс Стюарт Блэктон и Уинзор Маккей первыми задействовали анимацию в игровом кино. Такие фокусы спустя 20 лет на ранних этапах своей карьеры проделывал Уолт Дисней.

Первым значимым антропоморфным мультяшным персонажем является Krazy Kat. Судя по рисунку, именно он стал прототипом Кота Феликса, Кролика Освальда и Микки Мауса. Krazy Kat основан на одноименном газетном комиксе 1913 года.

Следующим изобретатель Макс Флейшер анимировал персонажи Бетти Буп, клоуна Коко, моряка Попайя и даже Супермена. Он синхронизировал звук и анимацию за два года до Уолта Диснея, но гораздо больше славы досталось последнему.

В это время Дисней долго экспериментировал с фильмами и мультфильмами пока не решил снять полнометражный мультфильм достойный Оскара.

Итак, его персонаж Кролик Освальд перевоплотился в мышь Микки. Микки Маус стал героем и первого звукового фильма Диснея — «Пароходик Вилли», который открыл перед режиссером дорогу к успеху.

Вот так записывали звуки для ранних фильмов и мультфильмов.

Американцам очень нравился образ Микки Мауса, поэтому торговцы размещали рисунки знаменитого мышонка на всевозможных товарах: открытках, чайниках и даже обычных ведрах. Этим и решил воспользоваться Уолт Дисней, и выпустил официальную линию мерча, которая раскупалась со скоростью света и позволила ему сосредоточиться на своих гениальных идеях.

Таких гениальных идеях, как создание Silly Symphonies — первых американских мультиках показанных на Кинофестивале в Москве. Один из них стал первым короткометражным анимационным фильмом, получившим «Оскар».

Также Уолт Дисней занимался проектированием Великого Красивого Будущего — своих Disneyland и Disneyworld, с разнообразной аниматроникой (динозаврами и другими животными, в предположительно оригинальный рост, которые двигались и дышали, а посетители парков могли проехаться рядом с ними, а также покататься в подводных лодках, поездах будущего и других аттракционах).

Кроме того Дисней занимался созданием EPCOT — футуристического города со всеми технологическими новшествами, роботами-официантами и подземным автомобильным движением. Там могли бы жить 20 000 человек, и никто не помешал бы их мечтам и их реализации. Но Уолт Дисней скончался и не успел воплотить часть своих замыслов в жизнь.

Такие идеи не могли не поразить прогрессивные умы японцев. Параллельно они создавали кайдзю-фильмы, а позже множество развлекательных аниматронов и роботов, которыми так славится страна восходящего солнца.

Позже появились такие персонажи как Плуто, Гуфи и Дональд Дак, но Уолт Диспей мечтал снять мультфильм, способный заставить зрителей заплакать, и он снял его. Это «Белоснежка и семь гномов», принесшая студии невероятную популярность не только в Америке, но и за рубежом.

Когда японский «железный занавес» пал и началась модернизация Японии, в страну стали ввозиться западные комиксы. Художники начали учиться у своих иностранных коллег особенностям композиции, пропорциям, цвету — вещам, которым в гравюрах периода Эдо уделялось мало внимания, так как смысл рисунка считали важнее его формы. Так японский фольклор уступил место юмористическому сюжету.

Стиль аниме в преддверии разразившейся Второй мировой войны ни в коем случае не должен был напоминать западные мультфильмы. Японское правительство осталось под большим впечатлением от просмотра диснеевской «Белоснежки» на закрытом показе и решило профинансировать первый японский полнометражный мультфильм агитационного содержания — «Момотаро и морские орлы».

Момотаро – герой японского фольклора, он якобы родился из гигантского персика. Его имя переводится, как «персиковый мальчик». Долгое время аниме считалось утерянным, но в 1980-х годах внезапно нашли его копию.

Мультфильм произвёл огромное впечатление на молодого Осаму Тэдзуку, который после ознакомления с ним решил работать аниматором.

Осаму стал основоположником традиций современного аниме. Он заимствовал приемы у Диснея, Флейшера, Эйвери, студии Terrytoons и развил манеру использования больших глаз персонажей для передачи эмоций. Сначала он рисовал мангу, а позже занялся и анимацией, под его руководством возникали ранние аниме, например, «Астро-Бой» и «Кимба-белый лев».

В 90-х вышел диснеевский «Король Лев», во многом копирующий японский мультфильм. До суда дело не дошло, по причине того, что адвокаты Диснея одни из лучших в мире, и тягаться с ними у маленькой японской студии не хватило бы ни сил, ни ресурсов. Однако мы и так видим, насколько эти мультфильмы похожи.

Считается, что, испытав военный шок, японцы искали утешения в безобидных и милых рисунках, именуемых кавай, что усилило производство манги и аниме в знакомом нам виде.

Наступил новый профессиональный период в развитии аниме: вышел первый цветной полнометражный мультфильм «Легенда о Белой Змее», основанный на традиционной китайской сказке. Это первое показанное в США аниме. Под особым впечатлением от ленты остался будущий режиссер Хаяо Миядзаки. Позже он получит всемирную известность, создав «Мой сосед Тоторо», «Навсикая из Долины ветров», «Унесённые призраками», «Ходячий замок» и другие мультфильмы.

Новая японская мифология стартовала вместе с мангой «Астро-Бой» и ее экранизацией. Главным героем которой был ребенок-андроид. С него принято начинать историю японских аниме-сериалов. Произведения Тэдзуки на телеэкранах Японии мгновенно обрели ту же популярность, что «Пиноккио», «Дамбо» и «Бэмби» Уолта Диснея в Америке.

Вместе с тем претерпевал изменения и американский стиль мультипликации. В 1960-х годах особой популярностью пользовались телевизионные сериалы. Американцы смотрели «Дика Трейси», «Гринча», анимированную версию «Битлз», а также «Флинстоунов», «Джетсонов», «Мишку Йоги», «Космического призрака» и «Скуби-Ду» от Hanna-Barbera. По ТВ в США начали транслировать и аниме: «Астро-Бой», «Кимба», «Ведьма Салли», Speed Racer.

Как видите, в «Ведьме Салли» задействованы персонажи, очень похожие на Тома и Джерри — от тех же Hanna-Barbera.

Вслед за японской Салли появляется американская Сабрина.

Аниме прошло долгий путь развития от первых попыток до экспериментального периода 60-70-х годов. Тогда вышел «Отряд ниндзя» Нагисы Осимы, а также начало появляться японское анимационно-игровое кино, например «Вампир» 1968 года, или как говорят японцы «Банпайя».

С годами сюжеты аниме, первоначально рассчитанного на детей, становились всё сложнее, обсуждаемые проблемы всё серьёзней. Начались эксперименты с формой и содержанием – «Клеопатра», «Печальная Беладонна» и «Люпен». Некогда Дисней сотрудничал с Сальвадором Дали, теперь его картины мультиплицировали и японцы.

На экраны также вышел суперпопулярный «ДевилМен».

Славу психоделической мультипликации принес мультфильм «Фантазия» (1940), который стал резко популярен среди хиппи. Прибыль также приносил фильм The Beatles «Желтая подводная лодка».

Агрессивной, откровенной и социально-политической анимация стала с приходом Ральфа Бакши. Он был вторым человеком, у которого вышли два финансово-успешных мультфильма подряд.

Так, американская молодежь узнала о «Приключениях кота Фрица», «Трудном пути», «Волшебниках» и впервые увидела анимационную экранизацию «Властелина колец».

Не посчастливилось тем детям, которые увидели на первый взгляд миловидный, но очень жестокий и драматичный мультфильм «Обитатели холмов» по одноименному роману Ричарда Адамса.

А в Японии произошло четкое разделение аниме по половому признаку. Кодомо-сериалы создавались для основной детской аудитории, а романтические сёдзё — для женской. В тоже время возник жанр меха, основоположниками, сегодня считающимися классикой, были: «Мазингер Зет» и «Команда учёных-ниндзя «Гатчаман». Они оказали огромное влияние на известные нам проекты, такие как американский «Вольтрон» и японские «Гандам» и «Евангелион». Взросление научной фантастики в аниме привело к смещению акцента, стали создавать целые космические оперы.

Аниме начало постепенно проникать в западную культуру, но мультфильмы обычно слишком монтировались и подрезались, якобы для того, чтобы сделать их более понятными для неяпонских зрителей. В 1977 году в США был организован первый клуб поклонников японской анимации.

Бизнесмены не могли не заметить, как подрастающее поколение американцев интересуется японскими роботами и создали серию игрушек «Трансформеры» от Hasbro, а вслед за ними — мультсериал и комиксы. Персонажей для первого сериала сделали японские аниматоры, именно поэтому они выглядят оригинально. Это один из первых примеров гибридной анимации.

Период 1980-х годов принято называть «Золотым веком аниме». Увидела свет экранизация манги в жанре «фантастической комедии» Urusei Yatsura, (режиссером которой выступил Мамору Осии, в будущем прославившийся благодаря «Призраку в доспехах»), а также Dirty Pair и Project A-Ko. В это же время выходят полнометражные аниме: «Навсикая из долины ветров», «Босоногий Гэн», «Город Чудищ».

Помимо традиционного показа сериалов по ТВ появилось отдельное направление, называемое OVA (англ. Original Video Animation) — анимация для продажи на видеокассетах. С тех пор существует полноценный хентай, например, «Лолита» и «Лимон со сливками», режиссеров которого до этого сдерживала телевизионная цензура.

Всем известный Аниме-Бум 90-х на самом деле прогремел в конце 80-х годов, вместе с выходом «Акиры». Его снял мангака Кацухиро Отомо по мотивам собственного комикса. Эпический, захватывающий, насильственный фильм произвёл огромное впечатление на весь мир.

Одним из идейных вдохновителей манги «Акира» был фильм «Бегущий по лезвию». Это выражается в восприятии токийских уличных сцен и общем представлении о безысходном будущем.

После этого события научно-фантастических аниме становилось все меньше, преобладали произведения в жанре киберпанк. Вышли Black Magic и Bubblegum Crisis, но телесериалы также пользовались успехом, например Dragon Ball и Ranma ½.

На песенную сцену Bubblegum Crisis заметно влияние фильма «Улицы в огне». Вам может показаться, что такие эпизоды были в каждом фильме 80-х, но это далеко не так. «Улицы в огне» — культовая вещь, уникальная в своем роде.

По ТВ в Америке показывали He-Man, «Непобедимая принцесса Ши-Ра», G.I. Joe, «Черепашки-ниндзя», ThunderCats, «Чип и Дейл», «Настоящие охотники за привидениями» и другие мультсериалы. Сомнительными, но завораживающими полнометражками были «Последний Единорог», «Секрет НИМХ», кукольный «Темный кристалл» и анимационно-игровой «Кто подставил Кролика Роджера». А единственным удачным диснеевским мультфильмом после смерти отца Микки Мауса оказался «Черный котел».

Долгое время студия Disney не находила себе места, все их мультфильмы, хоть и приносили прибыль, но только благодаря местным кинотеатрам. Старые аниматоры вымирали, на их места приходили новые таланты, и когда их собралось достаточно много в свет вышел мультфильм-блокбастер «Русалочка», и наступил Ренессанс Диснея, то есть его Возрождение.

В начале 80-х произошло ещё одно знаковое событие — на экраны вышел Heavy Metal. История этого амбициозного проекта началась ещё в 70-х, когда на страницах научно-фантастического журнала для взрослых «Тяжёлый металл» появились первые графические новеллы, ставшие в скором времени узнаваемыми по всей Америке. Одним из основателей журнала был художник Жан Жиро, известный под псевдонимом Мёбиус. К слову, последняя история «Аниматрицы» нарисована в очень похожем стиле.

Я считаю, что Heavy Metal — это отправная точка в новеллизированной мультипликации для взрослых. Следующими знаковыми новеллами стали японские «Карнавал роботов» и «Лабиринт сновидений», в 90-х это «Воспоминания о будущем», в 00-х «Аниматрица», а сейчас «Любовь. Смерть. Роботы».

В 1990-х годах на пике популярности в Америке находится студия Disney, штампуя один за другим коммерчески успешные мультфильмы: «Красавица и Чудовище», «Аладдин», «Король Лев», «Покахонтас», «Мулан», «Тарзан», «Геркулес». Выходит также первый компьютерный мультфильм Disney и Pixar «История Игрушек», кукольный фильм Тима Бертона «Кошмар перед Рождеством» и анимационно-игровые «Клевый мир» и «Космический Джем».

Особым успехом пользуются серии кабельных телеканалов Nickelodeon и Cartoon Network: «Шоу Рена и Стимпи», «Лаборатория Декстера», «Джонни Браво», The Powerpuff Girls, «Бэтмен» и Batman Beyond. Над обоими «Бэтменами» работали японский аниматор Глен Мураками и американский художник Брюс Тимм. Впоследствии гибридный дизайн мультсериалов DC стали называть Мураканиме, хотя рисунок более узнаваем своим угловатым стилем в духе 50-х годов, в котором работает Тимм. Также были популярными «Бивис и Баттхэд», «Южный парк», «Футурама» и «Губка Боб».

В это время в Японии стиль аниме становится более изящным. Появляются культовые сериалы «Сейлор Мун» и «Золотой парень», а также «Кибер-город Эдо 808», «Рубаки», «Эксперименты Лэйн», «Агент Паранойи», «Ковбой Бибоп», «Покемон» и «Евангелион». Первый и два последних завоевали особый успех.

В 1995 году выходит анимационный фильм «Призрак в доспехах», популярность вокруг которого не угасает до сих пор. Он поразил зрителей невероятной компьютерной графикой и доработкой кадров, нарисованных вручную. В США не могли дождаться, когда японцы нарисуют что-то поразительное, сравнимое с предыдущим лидером кинопроката в Америке — «Акирой».

Популярность этого аниме начала расти, когда его выпустили на VHS. «Призрак в доспехах» постепенно знакомил мир с японской философией и она всем полюбилась. В результате фильм вызвал мировой резонанс и привлёк внимание многих кинодеятелей, в том числе сестёр Вачовски, которые под впечатлением от аниме сняли свой кинохит «Матрица». Аниме многократно и прямо цитируется в фильме.

Поп-культура – это губка, впитывающая в себя безграничное количество идей, поэтому очень сложно отыскать исторические и географические корни в каждом американском хот-доге или каждом японском наруто.

Если жонглировать фактами и обобщать, то Даррен Аронофски купил права на экранизацию «Истинной грусти» Сатоси Кона, но так и не снял ее, зато использовал некоторые идеи для «Реквиема по мечте» и «Черного лебедя». А вся изобретательность «Начала» Кристофера Нолана превращается в ничто рядом с «Паприкой».

«Евангелион» лег в основу «Тихоокеанского рубежа».

Но и у «Евангелиона» есть первоисточник. Это сериал 60-х «Железный человек» или «Гигантор». Главным героем выступает подросток, управляющий роботом, созданным когда-то его отцом. Это первый сериал в жанре меха, где фигурируют «гигантские роботы», а «Евангелион» — его праправнук.

Удивительно, что «Три негодяя в скрытой крепости» (1958) оказались фундаментом вселенной «Звездных войн» Джорджа Лукаса. Здесь и похищение принцессы и битва на мечах.

«Русалочка» Ханса Кристиана Андерсона использовалась Хаяо Миядзаки при создании «Рыбки Поньо на утесе», а «Надя с загадочного моря», судя по всему, — при создании «Атлантиды».

Фильм «Госпожа Кровавый Снег» был основным источником вдохновения Квентина Тарантино при создании дилогии «Убить Билла».

Ещё один пример — «Эльфийская песнь» и фильм «Люси». Главными темами здесь выступают: развитие, мутации, телекинез. Да и вообще, протагонистки — тезки. Обеих зовут Люси.

«Искусственный разум» можно сопоставить с символом японской анимации Астро-Боем, который был первым известным ребенком-андроидом, созданным ученым, после трагической аварии, где погиб его сын. В «Искусственном разуме» неизлечимого ребенка заменяют роботом.

Фильм «Аватар» сравнивают с «Долиной папаротников». Смысловые и визуальные отсылки фанаты также находят и в аниме «Принцесса Мононоке».

Кроме того, намеки на последнее аниме заметны в сцене в волшебном лесу в фильме «Белоснежка и охотник». Этот эпизод очень похож на аналогичный в «Легенде».

Сериал «Сейлор Мун» был настолько популярным, что сами японцы начали применять похожие приёмы и в других мультфильмах, например, «Медсестра Ангел Ририка». Сравнивают также «Сейлор Мун» с Powerpuff Girls.

Мода 70-х годов на японских ниндзя и брюсплотейшн покорила и создателей «Черепашек-ниндзя». Черно-белая стилистика ранних комиксов о черепахах — это дань уважения классическим японским фильмам о ниндзя. За несколько десятилетий вышло столько разнообразных уже американских ниндзя-фильмов (с ниндзя-детьми и ниндзя-девушками), что черепах можно считать самой смешной пародией из всех существующих.

Микшированной америко-японской анимация стала давным-давно, страны заимствовали друг у друга всяческие визуальные приемы, в результате мы получили «Время приключений» с невероятно яркими цветами, анимешными глазами и другими отсылками.

Японскую версию славянской Бабы-Яги по имени Юбаба мы видели в мультфильме «Унесенные призраками», похожий персонаж имеется и в сериале «За изгородью».

Намеренно японизированными сделали мультсериалы «Аватар — легенда об Аанге» и «Самурай Джек».

У Тэдзуки есть фантазия на тему «Метрополиса», а также на «Преступление и наказание». Куросава тоже уважал Достоевского и экранизировал «Идиота». Полнометражный дебют Миядзаки «Замок Калиостро» отсылает к Арсену Люпену, а «Навсикая» частично вдохновлена «Одиссеей» Гомера.

Под впечатлением друг от друга кинодеятели создают что-то новое, лишь отчасти напоминающее первоисточник. А если сходства явные, то режиссеры делают это намеренно, как дань уважения.

Материал подготовила Marianna May